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Nos artistes "Made in France"

Alain Vilacèque

Alain Vilaceque est né à Perpignan en 1957 et se met au dessin et à la peinture dès l'âge de 3 ans. Précoce !

Ses parents remarquent rapidement son attirance pour l'art et l'encouragent tout naturellement à poursuivre dans cette voie et développer ses talents artistiques.

Il intègre les Beaux-Arts de Barcelone et dès ses études terminées, embrasse une carrière d'artiste peintre.

Débutant par un travail abstrait à base de collages et d'incrustations minérales et végétales, Alain débouche au fil de l'eau sur un impressionisme dramatiqueRésolument peintre de l'humain, l'artiste puise son inspiration dans les rapports entre les êtres. Son approche du visage, de l'attitude et du contact tantôt charnel, tantôt violent, interroge et fascine le spectateur.

Ses techniques sont variées : peinture, acrylique applqué au rouleau, au pinceau ou façon "dripping" (coulure de peinture), sur toile ou papier. Il crée aussi des dessins à l'encre de chine appliquée à la plume et il lui arrive de retoucher ses oeuvres au pastel sec.

Il lui arrive d'avoir recours au collage de vêtements, donnant par là même un relief certain à son oeuvre. Les visages, travaillés dans les tons noirs et bruns, deviennent le centre d'une structure à la fois déformée et éclatée.

Dans un premier temps, Alain Vilaceque trouve son inspiration dans les scènes intimistes de couples ou d'individus isolés. Il évolue vers des représentations foisonnantes avec moults personnages, à l'instar de scènes de bal, de marché, de bistrot ou encore de fanfare. La couleur se fait dès lors plus présente et aussi plus vive.

Alain Vilaceque aime aussi jouer sur les déformations des corpsaccentuant ainsi les rendus émotionnels et mettant en lumière les situations humoristiques de l'existence. 

D'une démarche simple qui s'appuie sur l'observation des scènes de vie les plus variées, l'artiste à fleur de peau livre dans ses toiles un combat rageur et véhément

Alain Vilaceque exprime clairement à travers ses peintures son amour pour la vie et l'humain.

Il a décidé d'installer son atelier à Collioure (dans les Pyrénées Orientales), car son cadre idyllique influence son art vers un esprit positif et résolument jovial.

Amandyne Steropès

Eperdument amoureuse de la vie, toute la démarche d'Amandyne Steroppès est un cri, chant des signes et des couleurs qui saisit le feu vivant du monde, mêlant expérience et surprise. 

Chacune de ses oeuvres offre à voir ses contradictions intérieures, et tente de saisir cette fameuse sensation de vie, rare et précieuse. Celle qui est à la recherche de 'l'étincelle qui exprime le réel, dans un éclat de rire, une caresse, un frisson", a, comme elle le dit si bien "la liberté des fous et le sourire franc d'une artiste éperdue." 


Son travail (quelques clés pour comprendre la complexité de sa démarche artistique)

Chacune de ses peintures s'inscrit dans la recherche d'une expression à la fois sensuelle et sensorielle. Sa technique évasive et poétique s'abandonne au gré du dessin, pour expérimenter les accidents de matière dans une démarche qui fait confiance aux éléments. Le résultat réinvente un rêve, à la frontière du concret et de l'improbable, de l'inédit et du désiré. Ses tableaux vibrent de sa passion pour les corps et leurs mystères et la vie indomptable qui les met en mouvement. Le passage de la vulnérabilité de l'artiste à la force nouvellement sculptée sur ses toiles est l'essence même de son travail artistique. 


Son parcours (parce qu'on ne nait pas artiste, mais on le devient au gré des expériences de vie, personnelles comme professionnelles)

Un parcours pour le moins éclectique ! Un BTS stylisme en poche, Amandyne est tout d'abord costumière pour le théâtre, l'opéra et le ballet. Passée par l'Ecole Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre, elle bascule par la suite dans la gendarmerie où elle se frotte à l'univers judiciaire, la communication et le recrutement pendant les années 2010. En septembre 2020, elle prend la décision de quitter ce milieu stable et rassurant pour se lancer pleinement dans la vie d'artiste peintre. 


Ses expo :

Exposition IMAGO (Paris, avril-mai 2019), performance live avec modèle vivant (Paris, septembre 2019), Art Génération (permanent depuis décembre 2019), la Cité Internationale des Arts (Paris, octobre 2019), vernissage Gauchet Fine Art modern & contemporary (Genève, octobre 2019), Art Show Paris (Paris, janvier 2020), ArtEthic galerie (Paris, mars 2020).

Ed'Art

Eric Dubarry, de son nom d'artiste Ed'Art, a posé ses valises en Normandie, non loin de Caen. 

Ayant exercé plusieurs métiers dans différentes parties de la planète, c'est assez tardivement qu'il est venu à la peinture, ou plutôt "que la peinture est venu à lui", comme il aime à le dire :) Sa vie professionnelle, riche d'expériences de vie diverses et variées, lui permet donc d'aborder cet art sans filtre aucun, avec une liberté d'esprit totale. Et cela se ressent dans ses compositions à la fois spontanées, émotionnellement chargées e ô combien intenses ! 

Son style contemporain abstrait est reconnaissable tour à tour dans la profondeur, la puissance des couleurs, et la perspective qu'offrent ses peintures. Il lui arrive tout aussi bien de livrer spontanément des émotions que lui procurent l'actualité, à l'instar par exemple des toiles C.19-2020, Marfa's Gallery, Heiwa. 

Il livre : "Aujourd'hui, c'est la peinture qui occupe mon temps, mes pensées et nourrit ma réflexion. J'aime la peinture. La possibilité d'exprimer une émotion, un ressenti, en déposant sur une toile la peinture à l'aide d'un pinceau ou d'un couteau. J'ai pris conscience de la joie, de la pression, de l'incertitude, de la satisfaction, des émotions que cela pouvait engendrer." 

Eric Dubarry ambitionne d'exposer ses toiles dans des lieux de passage, des centres culturels ou encore des galeries, bien sûr. Avec pour objectif de partager son art avec un maximum de personnes.

Ed'Art considère les galeries comme le miroir de l'artiste. Il aime tout particulièrement l'idée que l'on puisse admirer une oeuvre dans la réalité, la voir différencier son message en fonction de la lumière, en apprécier les dimensions ainsi que sa prodonfeur."

"La peinture existe dans mon esprit et mes pensées. Elle accompagne souvent le regard que je porte sur ce qui m'entoure. Ma main est guidée par mes émotions, mon ressenti." Passionné vous avez dit ? Et comment ! 

Pour lui, "l'Art n'a ni couleur, ni religion, ni opinion. L'Art est un témoin, un vecteur d'idées, un éternel messager. Il faut juste le laisser s'exprimer. L'art est émotion, et rien d'autre." 

Prix et récompenses :

Prix du Jury et Médaille de l'édition Barcelone 2021 / Sélection nationale Panama 2021 / Prix du Public Bronze Liberl'Art 2021

Dernières expo :

06-13 septembre : Galerie C.Arts, PARIS

13-20 novembre : Art Pasion, PARIS Bastille

12-19 novembre : Créarts Galerie - CAEN

01-15 décembre : Palais Palffi - Internationale VIENNE (Autriche)

13-19 décembre : Grande Monde, place de la Bastille - PARIS

Hugo Pondz

Né en 1975, Hugo Pondz, est connu et reconnu pour ses tableaux représentant des paysages épurés d'un bleu azur envoûtant, aux tonalités uniques. 

Par ses bleus à la fois denses et profonds, ses bétons lumineux, ses piscines aux eaux transparentes, l'artiste parvient à capturer le silence, à imposer une mise en scène minimaliste, entre ombre et lumière, où l'on sent poindre un danger imminent.

Le spectateur est ainsi (r)éveillé à grands renforts d'air frais pictural. 

Au-delà de la contemplation pure, on se projette et on respire aisément, que ce soit autour d'une piscine, à New York ou sur un golf. Toutes ses oeuvres sont empreintes d'une profondeur singulière, voire d'une singularité profonde...

L'art fait partie intégrante d'Hugo Pondz, et ce dès son plus jeune âge, avec un papa antiquaire et une maman qui manie très bien le pinceau pour donner vie à des paysages champêtres ! Mais, il a pris son temps. Après une première tentative désastreuse à 16 ans, ce n'est qu'à 28 ans que la peinture devient une vocation. Cette révélation, comme bien souvent, est due à une rencontre, celle de Jean-Pierre Hubert, qui l'initie à l'univers surréaliste, à la technique picturale à l'ancienne et à une (al)chimie des couleurs exceptionnelle. 

Côté influences, on pense de suite au peintre américain Edward Hopper, et à l'italien Giorgio de Chirico. L'univers mélancolique et minimaliste le marque alors qu'il est encore jeune. Hugo Pondz affectionne tout particulièrement le vide, l'architecture et les grands espaces. Toutes ses oeuvres affichent une dichotomie parfaite entre le plein et le vide. Le plus souvent l'on retrouve un personnage au cœur de sa toile. Il se plaît à le détourner, utilisant souvent des photographies personnelles pour donner vie à son protagoniste sur une de ses toiles.

Peintre de notre temps et témoin de son époque, Hugo Pondz aime s'en faire l'écho, à l'instar de sa série "The First Key", centrée sur les événements dramatiques du 11 septembre 2001. Pour l'artiste, la peinture, au-delà d'une fonction esthétique, doit surtout inviter à réfléchir sur les événements marquants de notre époque. Ainsi cette série, qui représente parfaitement sa vision, nous interroge quant à notre rapport aux médias et à la manipulation de notre pensée.

Hugo Pondz a exposé (exposition solo ou collective) en France, Belgique, Suisse, Bulgarie, Italie et Etats-Unis.

Jacky Maréchal

Jacki Maréchal est un artiste peintre professionnel. 

Professionnel dans l'univers artistique, il ne vit réellement de son art que depuis une quinzaine d'années. Il a commencé par exposer à Madrid, en Espagne pour tester hors du territoire. Fort de beaux résultats, il décide d'arrêter son métier de galeriste pour se consarer pleinement à sa carrière d'artiste peintre. 

Comme beaucoup d'artistes, il s'essaye à la peinture tout jeune et s'avère très doué pour cet art. Non aligné avec l'orientation scolaire proposée, et fort d'une volonté de fer, vers 25 ans, il se tourne vers la peinture et provoque des rencontres avec des artistes qui lui apprendront énormément au fil des années. Il commencera sa carrière par le dessin en s'armant de patience : le graal de l'exposition n'intervenant qu'après des années de pratique et d'expérience. Autodidacte, il s'entraîne et parfait sa technique chaque jour davantage. En parallèle, il se documente sur l'histoire de l'art pour bien saisir les différents courants artistiques et la peinture. Pour peaufiner son éducation artistique, un proche de son père le prend sous son aile, l'emmène dans des musées et l'ouvre littéralement au monde de l'art. Au fil du temps, Jacki Maréchal sort d'un certain classicisme pour arriver à ses propres créations originales. Pour pratiquer sa peinture, Jacki Maréchal aime l'ambiance monacale ; il s'isole dans son atelier pour éviter d'être pollué (par les info notamment). 

Il raconte ses débuts : "J’avais fait des démarches pour cela quand Bardone m’a dit « Il faut y aller maintenant.» Je suis allé sur des foires d’art contemporain, j’avais contacté des galeristes et il y en a un qui m’a dit qu’il aimerait voir plus de choses, puis il m’a exposé dans plusieurs foires. À la suite de ça d’autres galeristes m’ont exposé, ça a fait boule de neige." 

Jacki Maréchal a exposé dans des musées, des FIAC (Foire Internationale d’Art Contemporain) et dans des galeries un partout dans le monde : Pékin, New-York, Toronto, Osaka, Tel Aviv, La Haye, Hambourg, Paris, Florence, Madrid, Gand, Coblence, Turin, Bordeaux, etc… 

Soutenu par des personnalités du monde de l’art, il a été cité comme l’un des 20 meilleurs peintres de la New-York Affordable Art Fair 2014. Actuellement, à la retraite, il expose dans 2 galeries dont une en Allemagne, plutôt active. De retour à Oyonnax, sa ville, Jacki a exposé dernièrement dans sa galerie sur le thème Peindre la mer, d’un seul trait de pinceau. L’expression « L’unique trait de pinceau » date de 1710, elle est empruntée au peintre chinois Shitao.

Il définit sa peinture : 
"Alors chez moi, c’est un petit peu plus humain que chez un certain nombre d’artistes, parce que 
je fais la peinture dont j’ai envie au moment où j’en ai envie. Ce qui fait que j’ai une ligne, évidemment, qui m’appartient, ce qui parfois peut être déroutant pour des gens qui ne me connaissent pas. J’ai plusieurs périodes, qui se sont succédées, qui peuvent paraître avoir une certaine distance parce que j’ai envie d’être créatif, j’ai envie d’être pionnier et pas envie d’être colon dans ma peinture. Je suis toujours en train de créer de nouvelles choses, de chercher de nouvelles façons de faire. Il y a eu une énorme évolution depuis mes débuts. Parce qu’au fur et à mesure que les années passent et que les expériences picturales se font et que la vie comme tout à chacun passe, on prend un chemin qui est de plus en plus profond, consistant. Pour moi, ma peinture s’est beaucoup simplifiée dans les dernières périodes. C’est très épuré maintenant et j’en ai besoin, avec l’âge j’ai besoin d’être le plus simple possible." 


Kevin Bazin

Né en 1980, Kévin a tout d'abord été bercé durant son enfance par les dessins animés et les mangas puis à son adolescence, par les comics, les univers fantastiques et les jeux videos. De ses jeunes années, il a donc conservé une empreinte forte liée aux univers pop et geek des années 80 et 90.

Ne voulant plus être acteur du monde consumériste et capitaliste en recherche de croissance perpétuelle, au détriment des valeurs humaines et écologiques, et fatigué par le système qui l'emploie, il décide de tout plaquer après une longue carrière de manager commercial,

C'est alors qu'il fait le choix de se lancer dans ce qui le passionne depuis de nombreuses années : l'art. Il utilise ce vecteur pour promouvoir les causes qui lui sont chères comme le féminisme, la lutte contre l'homophobie et le racismel'anticapitalismel'écologie ou bien l'influence négative des réseaux sociaux sur notre société.

Autodidacte, Kévin peint uniquement à l'acrylique, sur toile coton ou sur des planches de skate, dans un style street art. Il jongle avec les techniques de ce style, la bombe, le pochoir, le collage et le posca.

Découvrez son style engagé sur xoxo ! 

Lussy

Née dans la génération 90', entre culture pop, Game Boy, musique grunge, Pog et compagnie, Lussy est une jeune artiste montante passionnée de dessin depuis toute petite.

Les années 90 ont été follement riches côté culture populaire : la famille jaune des Simpson, le girl power des Spice Girls, le jouet électronique en forme d'oeuf et animal virtuel à faire grandir TamagotchiTétris et Zelda côté console portable, Nirvana côté musqiue, Seven, Usual Suspects et Pulp Fiction côté cinéma, le phénomène Pokemon débarquant tout droit du Japon... pour n'en citer que quelques uns !

Lussy s’en inspire aujourd’hui et remonte le temps pour naviguer entre musique, cinéma, cartoon et jeux cultes de cette période.

Elle mixe ses propres personnages créés de toutes pièces à ceux de nos références, profondément ancrées en nous, jeunes et moins jeunes. Entre kawaiicartoonpop art /street art, Lussy se sert de ce qu’elle a appris dans ses passions pour les dessins animés pour réaliser des oeuvres qui ont du peps et qui donnent le sourire ! 

Aujourd’hui artiste 3D et graphiste généraliste, elle sait utiliser son oeil graphique pour ajuster son tout et mettre une touche de modernité dans ses tableaux.

Ces oeuvres sont une accumulation de références et de personnages hauts en couleur, le tout dans un style bien à elle, flat design et coloré.

A découvrir d'urgence et en exclusivité ici !!

MABDLM

A 23 ans, MABDLM est le plus jeune artiste de la galerie, et le plus exotique aussi puisqu'il est né à l'île de La Réunion :) De son vrai nom Marc-Ariel Bizeray de La Michellerie, MABDLM est né avec un talent certain pour le dessin. Tout petit déjà, il s'intéressait avec beaucoup d'ardeur à ce qui l'entourait, comment c'était fait, pourquoi. Des questions existentielles en somme, qui ne l'ont jamais quitté, comme vous l'observerez dans ses oeuvres. Si l'on tente une analogie, ce serait sans conteste avec un appareil photo, tant il essayait de reproduire tout ce qu'il voyait. Encouragé par sa famille et à l'école dès ses plus jeunes années à exprimer son côté artistique, cet autodidacte s'est aussi fortement intéressé à la psychologie humaine. Frappé par les aléas de la vie, il cherche à en comprendre le sens, et à révéler ses injustices. Aussi, chacune de ses oeuvres donne à observer un certain conflit

Il a énormément appris de son père (âgé aujourd'hui de 75 ans), qui lui a transmis un bel héritage culturel, profondément ancré en lui. Il reconnaît par ailleurs avoir encore beaucoup de choses à apprendre, de lui, et de la vie. Pour MABDLM, chaque événement a sa raison, et pour ses amateurs, chaque oeuvre aura un message.

Maryline Bourdin

Maryline Bourdin est née à Versailles en 1976. Son enfance est pigmentée par la musique, la peinture et la sculpture. Les émotions sont vécues avec pudeur dans sa famille. Elles s'expriment à travers l'art, quel qu'il soit. 

Vers l'âge de 20 ans, Maryline se lance dans le dessin objectif. Elle glisse malgré elle vers une personnalisation de son travail. Scènes de vie, idées, pensées... elle découvre un potentiel où se combinent à la fois l'introspection et la figuration (l'intériorité contre l'objectivité).

Elle enchaîne les cours de dessin, de nus, les stages, les expositions timides où elle se démarque par un travail du réel revisité par l'âme. Maryline obtient ses diplômes en art plastiques (licence à la Sorbonne), puis devient enseignante. 

Ses chemins de vie s'affinent et se tournent naturellement vers une pratique et un cheminement où l'idée qu'elle se fait du monde prend sens. Ses tableaux s'expriment au-delà de la plasticité

Son travail évolue du portrait réaliste et de l'image du corps vers une défiguration relative et progressive dans laquelle émerge une certaine tendance gestuelle, une plasticité liée à des formes souples ou géométriques, nourrie de plans successifs signifiés par des différences de teintes, des transparences ou encore des fondus. 

Ces aspects plastiques se complètent toujours d'aspects émotionnels et thématiques liés à la musique, au corps, à la sensualité et à l'idée

C'est ainsi que se superposent courbes, cadres et imagination. Une recherche de cohérence dans des idées et/ou émotions souvent contradictoires. Chaque toile représente et livre une nouvelle expérience. 

L'artiste évolue en lien fort et authentique avec ses oeuvres, rebondissant de l'idée vers la forme et de la forme vers l'idée.

Maryline Bourdin oriente ses recherches dans une gestualité qu'elle délivre presque "à son insu", liée à ses perceptions et expériences spirituelles. On assiste au chevauchement du contrôle et de l'âme primitive. L'espace de la toile devient ainsi le lieu sacré de cette rencontre poétique.

Dernières expo

Oct 2021         ARTSHOPPING – Carrousel du Louvre -75001 PARIS

Juin 2021       ADAIS - Senlis Artfair - Eglise Saint Pierre 60330 SENLIS

Juillet 2021    Art et amitié – Exposition collective - Eglise Saint Pierre 60330 SENLIS

Juin 2021        Exposition personnelle – Choeur de Gamer “wave in Paris” – 75015 PARIS

Juin 2021       ADAIS - Senlis Artfair - Eglise Saint Pierre 60330 SENLIS

Dec 2020        17ème salon d'art Asian and African and Mediterranean ART, Qingdao, CHINE

Oct 2020          Chabuca Granda - Exposition virtuelle internationale , ministère de la culture, PEROU

Michel Perrier

L'artiste peintre Michel Perrier s'intéresse au dessin depuis toujours.

Passionné de musique et de cinéma, il exprime sa sensibilité artistique en apportant une touche toute singulière et emprunte d'originalité à ses créations.

Membre de l'Académie Lyonnaise de Peinture, il aime participer de façon régulière à des événements artistiques, ainsi des expositions personnelles ou en compagnie d'autres artistes. Côté expositions justement, on en relève notamment à Nice, Cannes, St Jean Cap Ferrat, St Laurent du Var, Lyon et un certain nombre en Auvergne Rhône-Alpes.

Sa source d'inspiration infinie, "l'éternel féminin", souligne une recherche d'harmonie constante, qui dépasse de loin les normes conventionnelles. 

Pour donner vie et mouvement à ses toiles, il utilise de l'encre, de l'aquarelle, de l'huile ou encore de la peinture acrylique. 

Les créations toutes personnelles de Michel Perrier, artiste peintre figuratif aux influences néo-impressionnistes et pointillistes, produisent un chromatisme aux couleurs fondues ou contrastées. Son moyen de capturer une émotion fugace et subtile.

Nicole Garilli

Nicole Garilli baigne dans deux arts majeurs depuis sa plus tendre enfance : les arts visuels et la musique

Ayant du coup développé très tôt une appétence pour les arts graphiques, elle a concilié des études en sciences économiques à différentes expériences éclectiques (comme la photo, le dessin, la création de bijoux ou même de vêtements !). Ces dernières s'effaceront au fil de l'eau pour laisser place à sa véritable passion : la peinture. Et quelle peinture ! Délicieusement rétro-chic, pleine de vie et enjouée, à l'image de sa créatrice ;) 

Comme pour beaucoup d'artistes, une rencontre décisive affinera ses préférences. Cette belle rencontre avec le peintre et sculpteur Rémi Deslauriers remonte déjà à plus de 30 ans. Avec lui, elle suivra des cours de dessin et peinture dans son atelier de Bompas. Puis, ayant intégré l'académie des Beaux-arts de Perpignan juste avant l'an 2000, elle suivra pendant 4 ans les cours de Jean-CLaude Rous. Celui qu'elle considère comme un "maître généreux", lui donnera beaucoup, montrant, l'aidant à lâcher prise pour une meilleure fluidité des gestes et du résultat. Forte d'un joli parcours jalonné d'expositions de-ci de-là, c'est dans une petite galerie de Collioure qu'elle "pose ses valises" chaque été depuis 12 ans. Fascinée par sa lumière, elle déclare : "La lumière de Collioure n'est pas un mythe, elle vous ravit, vous remplit, c'est une puissante source d'inspiration". 

A votre tour, laissez-vous inspirer et séduire par ses oeuvres profondément touchantes. 

Sirblonbin

Né en Savoie où il vit depuis 1972, Sirblondin est un artiste multidisciplinaire diplômé des Beaux-Arts de Lyon

Photographe et graphiste depuis 1998, ce passionné d'image depuis sa plus tendre enfance ​aime à créer des univers dans lesquels il plonge ses "sujets". Tour à tour en mode "fantasy", dark ou acidulé, aussi à l'aise en pleine nature qu'en studio, il compose des images fortes qui ne laissent pas indifférent, souvent empruntes de poésie. Les galeries d'art lui ont également ouvert leurs portes souvent blindées. 

"Gardez toujours à l'esprit que ce n'est pas vous qui regardez les oeuvres, mais que ce sont elles qui vous regardent." Avec ses propos, Sirblondin renverse la vapeur et l'appréciation d'une oeuvre d'art prend une toute autre saveur !

Stéphane Rime

Stéphane Rime se présente : "Après avoir passé une vingtaine d'années à naviguer entre mers et océans, je continue ce voyage par la pratique artistique. Je ne voyage pas pour aller quelque part, mais pour le plaisir de voyager". La messe est dite :) 

Stéphane Rime présente sur xoxo-frames, la série noname, les frontières mouvantes :

De la répétition naît l'abstraction. Avec la répétition du mot "NoName" sur la toile, Stéphane dessine des frontières aléatoires dans lesquelles viennent se nicher les couleurs, à l'instar d'une région qui se remplit d'une population. Pour lui, les couleurs traversent les frontières, s'y bousculent, débordent, les couches sont légères ou se superposent jusqu'à ne plus voir clairement les contours des premières frontières. C'est sur ce fond coloré que va s'inscrire une histoire avec d'autres iconnus. A chaque toile correspond une histoire : de quartier, de région, de domaine maritime, de continent, de zone difficile ou encore même de cosmos ! Voyons grand et ouvrons nos yeux intérieurs pour se connecter à cet ailleurs impalpable et pourtant si présent. Les toiles sont la représentation de frontières abstraites à la surface du globe, et même au-delà. Stéphane représente les couleurs tels les mouvements de population, les nomades, les sédentaires, les pionniers et les grands courants migratoires. Nous vous souhaitons un bon voyage.

Côté technique, Stéphane Rime travaille directement sur des toiles coton toute prêtes, côté petits formats (jusque 1x1m). Pour les grand formats, il travaille sur la toile de lin qu'il découpe aux mesures voulues et une fois peinte, il la monte sur châssis.

Côté mediums, le choix est large et varie entre l'aérosol, l'acrylique, les encres et le gesso (un enduit qui sert de sous-couche qui est étendu sur la toile avant de peindre, notamment pour que la peinture adhère mieux au support). 

Côté outils, les pinceaux sont évidemment de la partie, mais l'artiste aime aussi s'approprier les racloirs et spatules qu'il fabrique suivant ses besoins. 

Les couches sont légères ou se superposent jusqu'à ne plus voir le tracé de départ. Stéphane confie que le gesso vient parfois redessiner de nouvelles frontières sur les anciennes. Il travaille dans un jardin, en plein air. La phase des encrages et pigments se fait, elle, dans un atelier situé dans le jardin. 

Les toiles portent juste un numéro, une référence. Elles n'ont pas de titre car elles font toutes partie de la série noname.

Mes œuvres n'ont pas de titre,juste une reference noname n°..., chaque toile s'inscrit dans la série noname et sa conception.A partir de 2020 on ne trouve plus de date mais une lettre suivi d'un numéro.la lettre A correspond à l'année 2020, la lettre B à 2021 et ainsi de suite.

Stéphane Rime est présent à l'année dans les galerie:l’œil ouvert (Paris), Art generation (Paris et Bruxelles), Art up deco (Lyon), galerie Neel (Cannes).

Il fait partie de l'association "le kiosque des arts" à Cannes et est présent dans les collections de M square Galery à Beyrouth.

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